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纪念齐白石先生，首先要简单回忆一下他在20世纪的一段历程。齐白石先生是在五四运动之后成长起来的一位具有现代意义的中国画家。“五四”时期，不少文化先驱提倡新兴的现代文化和大众文化，齐白石受到了启发。但是齐白石没有受一度流行的激进主义思潮的影响，激进主义批判中国传统文化，提倡中西文化的融合，接受西方文化的洗礼。齐白石从一个木匠走向画坛，在陈师曾等先贤指导下，经过长期艰苦的上下探索，终于成为一位举国公认的艺术大师，也在世界艺坛赢得巨大声誉。作为一位既有深厚传统功力又有创新精神的艺术家，齐白石曾经受到来自两方面的压力：尊重传统文化而忽视艺术创新的一些艺术家对齐白石先生是不够尊重的;另外一些接受西方文化影响，认为中国的绘画应该只能走中西融合道路的人，对于从传统的文人画走出来的齐白石，也有所非议。齐白石排除了两方面的压力，走出了自己独特的道路。讨论他的艺术，我觉得会从中获得许多教益，受到多方面的启发，能有助于我们正确理顺下面一些问题的关系：艺术创作与意识形态性之间的关系。艺术是离不开政治的，艺术为政治服务这个提法也不是错误的，但是艺术和政治毕竟是两个范畴。艺术里面含有政治性，但是不能把艺术和政治混为一谈。有强烈政治内容和鲜明政治观点的艺术，可以是好的艺术，而真实表现人与自然美、能够提高人们情操的艺术也可以是艺术精品，不能忽视艺术的审美作用。广义地说，艺术的功能含有思想教育与娱乐两种功能，目的都是净化人们的心灵。艺术是有意识形态性的，但是艺术不等于纯意识形态，艺术在很多方面是超越时代、超越阶级、超越国界的，艺术是有自身规律和普遍原理的。传统与创新的关系。齐白石接受文人画的传统，又不囿于此，敢于在文人画传统基础上创新。但是他没有亦步亦趋地追随他崇拜的前人，在艺术风格样式上，向古代金石碑文学习，吸收民间艺术元素，敢于独创，另辟蹊径。他自己这样做，也这样要求学生。他认为应该虚心向有成就的前人学习，但假如艺术创作酷似前人，他的艺术就会失去活力，这点对我们今天很有现实意义。艺术的雅和俗的关系。齐白石的艺术是高雅的，也为大众所喜爱。艺术是要为大众服务的，艺术的最终目的是要提高大众的文化素质和修养。齐白石不迎合大众，他的艺术是在适应大众欣赏趣味的同时去征服大众。所谓征服大众，就是让大众逐渐接受那些不太懂的高雅艺术。齐白石的艺术是高雅的，也是大众的。他从农工群中走来，心里装着劳苦大众和市井平民，又心仪古代艺术典范。他的作品雅俗共赏，他是一位真正的人民艺术家。艺术观念的多元与艺术形态的多样。在20世纪中国艺术史上有一段佳话，那就是齐白石与徐悲鸿的友谊，他们是一段忘年交。解放前，在国立北平艺专，就是中央美术学院的前身，徐悲鸿先生做校长，和三位著名的北京教授发生争论，这三位教授都是在文人画方面很有造诣的艺术家。徐悲鸿十分尊重齐白石，把齐白石请到学校来当教授，给他发薪金，可见他是重视国画创新的，只是对国画发展的广泛可能性缺乏足够的认识。齐白石和徐悲鸿的这段佳话说明艺术的观念可以是多元的，艺术形态、样态应该是多样的。不同观念和不同风格的艺术家应该互相包容、互相尊重。中国艺术如何走向世界。我们把什么东西拿出去呢?我认为要坚持两条腿走路，传统的艺术，像齐白石这样的艺术可以拿到国外去，组织很好的展览。因为外国不是很多人真正了解齐白石和中国传统绘画。但是展览要办好，要有充分的筹备。我觉得人家不懂或懂得少的东西可以拿出去。当然我们当代艺术发展的面貌，也应该向外国介绍。艺术创作和艺术市场的关系。齐白石是典型的职业文人画家，以卖画维续一个大家族的生计。为此，他一生写过很多润例，对于卖画的价格和要求事无巨细地加以明示。他不回避他的艺术要走向市场，当然当时中国的艺术市场并不发达。齐白石一生创作了数以万计的画，他的题材有很多是相同的，但只要是齐白石的真迹，他的每件作品都是值得我们观赏的。齐白石是一本大书，是一本需要认真读、常读常新的书。我以为，假如我们把齐白石和他的艺术真正研究透了，那对我们当代中国艺术的发展，一定有很重要的启示意义。作者：邵大箴 来源：中国文化报?美术文化周刊

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让我们看看张家辉，他也是最佳电影获奖者之一。当他小范围遇到妻子的时候，虽然妻子不是明星，长相普通，却挡不住他们的感情热度。

继香港“等我一下”展之后，2019年11月16日至2020年1月10日，由林似竹与杨浚承联合策划的 “遣兴——王天德个展” 在墨斋画廊(Ink Studio)开幕，展出王天德2019年的山水系列近作30余幅，这些作品以独特的香烫之法展现雪景山水的空灵与寂寥。从2014年苏州博物馆个展“后山”、2015年故宫博物院“回”、2017年广东美术馆“越过山丘”，2018年“等我一下”，及至此次墨斋画廊的“遣兴”个展，王天德在每次展览的作品，都为中国水墨的探索注入新颖的意念。此次展览的名称“遣兴”，有“有感而抒怀”之意，为清代篆刻大家黄士陵的一方同名印章。而“遣兴”一词则源于唐代著名诗人杜甫的同名诗作，抒发其在流放他乡之时对家人的思念。随后的一千多年里，诸多文人学者皆以诗文回应，共遣思乡之情。而后，“遣兴”一词所承载的复杂且饱满的情感也随着时间的推移不断沉淀，令更多的人产生情感上的共鸣，有感而抒怀。在策展人林似竹博士看来，“遣兴”这一概念表达了一种复杂的情感，一种思念，一种对美好的向往，和对亲人朋友的怀念。“王天德的个展‘遣兴’用当代艺术的表现手法，谱写了一首中国传统文化的颂歌，这次展览所呈现的作品，揭开了沉积多年层次分明的历史和文化。在中国古代重要的艺术家、诗人、政治家，以及艺术作品之间的相互关联展现出来，并进行跨越时空与历史的对话。”王天德以“香”烫书法和水墨山水，拼接了历史碑石的拓印，将历史内容注入当代水墨中。他通过搜集到的明清时期的文字碑石，从中找到弥合文化断裂，重新对接传统的途径进行延续，主动引进真实的历史物质文本，建构一种新的创作叙事模式。其中香烫之法始于2002年，这时还是“烟烫”，这一年，“我受邀到巴黎参展，什么材料都不能带，我只带了八、九包红双喜烟和很多纸。短期工作室没有电扇和空调。巴黎夏天很热，特别是傍晚，塞纳河的水蒸气使你一二个小时不知所措。那时我就抽烟。我抽到一半的时候，烟灰掉在纸上，烫了一个痕迹。我说：‘My god’，这真是上帝给了我最好的材料。我在信件上烫了很多像阿拉伯文字的符号。当时没有想到做作品，几个月回来之后阿拉伯文就变成中国书法了。”后来，王天德开始转向“香”烫，“2005年郑胜天老师在温哥华为我策划了个展《香火》。温哥华全城禁烟，所以只能用香。我在展览上摆了一个台子，台子上铺满从海边拉来的沙子，进来的观众都要在门口点一枝香插在沙子里。香烫从那个时候开始。从某种角度来说，香烫或许更有宗教的意义。”在很多作品中，王天德会用层叠的方式处理画面，一般来说上层会是一张烫画，下层则是水墨画，他把两张画叠加在一起形成错位的效果。“我的画有二层、三层，即使你看不到，但制作的过程会让我感到很愉快。如果作品做得不好，也会让我无比伤感。我全力做的作品，往往经裱画师一裱就失败了。艺术是一种非常慢的体验，让自己去寻找一种愉悦、一种伤感。”碑刻也是王天德创作中的重要元素，“很多中国古代的书法实际上都以碑刻的形式留存下来。但很多碑文都散落在民间，部分石碑甚至在不起眼的河道里被发现。然而碑刻的价值却是不可估量的，从某种意义上说，碑是家族的、地区的、个人的历史记录。”王天德利用碑文拓片及书法作品植入其雪景山水的独特创作，在历史的长河中开启了与古人的时空对话。“不知道多少年后，会不会有人凿开这墙，找到我的作品。我只是想通过历史的痕迹找到当代艺术和古典艺术的对接。”此次展览所呈现的作品中，王天德将巨幅唐代碑拓作为艺术史概念中的现成品融入作品当中，创作了“柳公权”碑帖装置。对于任何一个想要研习书法的中国人来说，碑拓都是最为重要的素材之一，且相较于石碑更易流传。王天德以碑拓入画，不仅将其更好地保存流传，同时也通过自己的作品让传统书法与文化为更多的当代观众所见，所感，所喜，所悟。与此同时，本次展览对于雪景山水的侧重亦可视作一种对原始与传统的回归。通过“遣兴”个展，王天德将中国文化与历史中层层沉积的碎片与时空渐次展开，每一层都建立在过去的基础之上，并对过去进行观照与对话。无论当代文化采用什么样的表现形式，也不论它与过去之间的距离有多遥远，它都不可避免地根植于过去。王天德的作品正是反映出历史上如柳公权这样的书法巨匠们亦可与当今时代有所关联，他们作品背后的思想亦是如此。而拓片以及发明拓片这一艺术形式背后的过程与思考都可成为创作新艺术作品的灵感源泉展览现场王天德，1960年出生于上海，1988年毕业于浙江美术学院(现中国美术学院)国画系，后于该院书法系获博士学位，现任复旦大学教授。王天德以其对传统中国艺术的革命性创新享誉海外，被誉为中国当代水墨发展史上最重要的艺术家之一。王天德以独创的水墨山水叠加烟烫或香烫绘画的技法形成自己独特的艺术语言。后又将自己的山水创作与自己收藏的古代碑拓相结合，在古与今，毁灭与创造，永恒不变与稍纵即逝之间寻求连接与对话。“王天德没有用外来的东西进行创造，而是直接采用中国画、书法、碑帖等传统形式进行创作，虽然手法上采用了一些现代技法如挪用、拼贴，总体来说，他是在传统里挖掘中国画的当代性。”对于王天德的艺术创作，策展人杨浚承这样评价到。本次展览开幕时，雅昌艺术网与王天德先生就本次展览的命名由来、其艺术创作的题材、其学书的经历等问题进行了一次访谈，兹录如下，希望读者能通过这次访谈更深入的了解这位艺术家。雅昌艺术网：此次展览主题“遣兴”很有意思，是什么理由?王天德：“遣兴”是我收藏了一方黄士陵印章的印文。黄士陵生长在新安江边，为了生活去了广州卖字画，他大概常常思念家乡才刻了这方印。“遣兴”也是杜甫等诗人表达思乡情感的诗词标题。我女儿十五岁出国读书，虽然现在通讯方便了，也依然很想她，这也是“遣兴”的感觉。这也反映了一个社会问题：目前，把自己子女送到国外念书的中国父母已经成为相当一部分社会群体。“遣兴”是父母内心中无时无刻的思念。当代水墨不仅关注形而下的技术和形式或形而上的观念，更可以通过新的表现形态去考量当下的社会问题。在此次展览中，我用3D打印的方式把这枚印章打印了出来，希望用高科技的方式，对“遣兴”进行重新解读。雅昌艺术网：为什么此次展览的作品均为雪景山水?王天德：1983年冬，为了考美院我向工厂请假去山东画一些速写，其间一个人去爬了泰山，那天下着小雪，爬了很久后，突然看见前方立着一个人，我吓了一跳，在离他一百米处站着至少一刻钟不敢靠近，最后那个人叫我说：“你放心，我们在这已经很多年了，专给过路的游客煮热茶，你相信我。”我上去之后，他果然烧水给我喝。还可以根据自己能力付钱买一个馒头。我很感动，到现在还最喜欢馒头的味道。爬到山顶住了一晚上，第二天借了一件军大衣看日出，边上坐着一对沈阳来的军人。他头朝北看了一眼说：“你看到那条白色吗?”那是冰冻的黄河，像冰玉一样。日出太阳刚刚升起，这条蜿蜒的冰带好似凝结了大地的气息，让我有了一个很强的反应，我觉这真像一条中国龙。因为对这件事情一直记忆犹新，就决定创作一系列北方山水。下山后，我又在泰山脚下花了一天时间把《张迁碑》整篇临摹下来。当时周边没有人，零下八度的气温，我不停地蹬着脚，写十几个字走一走，就这样一点点地临了下来。我创作此次展览中的作品时，仍然能感觉到当时的寒冷。所以“遣兴”不仅是对子女的思念，更是对往事的追忆。雅昌艺术网：具体是怎么表现北方山水的呢?王天德：我希望用唐以前的书法和拓片来重新寻找北方的气度和当时存在的一种历史沉淀感。例如《薄雪读碑图》中，我特地将清初郑簠临《鲁俊碑》的书法植入这件四联作品中，两相对照。因为《鲁俊碑》的尺幅较大，这也导致我的雪景山水尺幅也非常大。雅昌艺术网：所以您最近的作品融入了许多汉唐碑帖拓片，尤其是这件“柳公权”碑帖装置，可否介绍下?　　王天德：我六岁开始写毛笔字，写的第一张帖子是柳公权的《玄秘塔碑》。我在小学、中学也写柳体。直至进入上海工艺美校之后，才逐渐开始写颜体。但这么多年下来，我总是会怀念小时候接触的第一位书法家柳公权。“柳公权”碑帖装置中，我用了柳公权《高元裕碑》、《冯宿碑》的拓片，并在上面分别写下“公”“权”二字，作为我内心沉淀了很久的学习回忆。其中《冯宿碑》是柳公权60岁时写的，恰恰是我这个年纪，通过对柳公权作品的再解读，让我对艺术和生活有了更深的体验，我觉得在学习过程中，我们可以通过分析前人所走过的经验，更深度地认识自已，这也是新媒体时代，我们可以不被物化的生存方式之一。雅昌艺术网：技法上，碑刻、香烫、层叠的方式仍然是此次展览作品中重要的构成部分，具体操作上，有没有什么变化?王天德：无论是把碑刻植入我的作品，还是用香烫灼烧的方式形成山水，这些与之前并没有什么变化，只是宣纸的层叠方式上有所变化。一般来说，我的很多作品都是上层一张烫画(水墨画的铅笔稿)，下层则是水墨画，我把两张画叠加在一起形成错位的效果。此次展览中，只有《薄雪读碑图》这组作品采用的是这种技法，其它的均是上层一张烫画(水墨原画)，下层一张铅笔稿。这样处理之后，我们可以作品中看到更多笔墨的原味。雅昌艺术网：画面中的上下两层画面，分别对您意味着什么?王天德：我觉得这两层分别是不同水墨文化的呈现，是传统和当代的交织与对话。其中烧过之后有的墨痕会从镂空的地方呈现一部分出来，而有的则被隐藏，呈现出来的可能就是现在所需要的，没呈现的还不需要，可能五十年、一百年后才能被看到。这也是我对传统的认知过程。我在大画上基本都会盖一方齐白石的印，叫“天衣无缝”。这次我希望“遣兴”的文意和作品的内涵天衣无缝地结合在一起。从理论和实践上，我觉得我们这一代人或者我个人来说，需要更深度地挖掘自己，呈现更多内容，这就是我以后创作需要努力的方向。雅昌艺术网：您未来的创作方向是什么?会继续烫画吗?　　王天德：艺术创作就是对生命的感悟，我现在最大的感悟就是能够安静下来，耐心地创作一件作品，静静地欣赏一件作品，这样我就满足了。

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艺术圈人士谈艺术圈关系链：艺术家与批评家均应保持独立性9月6日，搜狐789艺文节举行了一次关于“艺术圈关系链”的沙龙讲座。批评家夏彦国、何桂彦、艺术家赵赵、专栏作家鞠白玉参加了分享活动。自上世纪80年代以来，国内艺术圈江湖化日益严重，流氓气弥漫，小圈子横行，已经危及当代艺术的创作与批评，是以近年来反江湖化、反圈子化思潮开始涌起。对于艺术家与批评家个体而言，虽然圈子不可避免，但你若不入江湖，则可不受江湖伤害。圈子形成不可避免，应尊重艺术圈独有的生态系统某嘉宾称，江湖性的这种圈子，对今天的当代艺术发展已经形成危害。他举了一个案例：“我们艺术家一群人在艺术家方力钧开的餐馆里聚餐，饭局上坐了一个艺术圈老大，谈话中，一个南京的年轻艺术家说话触怒了某老大，老大大怒，年轻艺术家就马上跪下来给他赔礼。我觉得生活在艺术圈非常耻辱。这种江湖化看起来都恶心。”艺术界存在三种层面的圈子。一是如上世纪80年代以来，四川美院、中国美、中央美院这种源于中国当代艺术的潮流化、运动化，以及同学、师承关系的圈子。第二个层面是艺术家在选择风格和流派时，自然形成不同的趋向的圈子。如西方艺术史上印象派、野兽主义、立体主义等均是三五好友形成一个圈子，树立起一种风格。第三种是世俗层面的圈子，基于不同的地域文化和生活习惯。地域文化也会催生利益共同体的产生。“第一阶段是本土文化的影响悄然内化在艺术家的生活中，而一旦市场化，艺术家为了守护自己的利益，会反过来主动强化自身地域文化的特点，形成利益共同体。”何桂彦说。艺术家赵赵与专栏女作家鞠白玉都自认为没有居身于某个江湖性质的圈子之中，但他们都对关系链和圈子的形成表示理解。“艺术家的创作其实是很小众的，但是你想得到大众的认知或认可，这是很自私的一件事。你凭什么呢?你周围自然必须有一圈能受你影响的人。”赵赵说。“所以有个小圈子是不可避免的。”鞠白玉则表示，自西方艺术的古典时代以来，艺术家与策展人、画廊、美术馆、收藏家、评论家等角色之间，就存在复杂的关系链，这种生态链形成了艺术圈独有的生态系统，应当尊重这个系统。“只要有人存在，就有圈子，只要这个圈子不危害到当代艺术生态中相应的规范便是合理的。”何桂彦说。江湖化源于艺术家自身的缺陷，艺术家应保持独立性国内文革以后，对抗集体主义，走前卫艺术反叛路线的艺术家自发形成不同的圈子，在没有展览体制的环境中走上江湖路，有其历史必然性。但如鞠白玉所说，当代艺术所必须具备的学术生态链，在国内不知为什么变成了一种人与人之间的人际关系图。“江湖存在，艺术家必然有其自身的缺陷。”赵赵说，“圈子是养出来的，你不养它，不可能有这个圈子。”鞠白玉说，她曾注意到一些艺术家，他们的作品在欧洲有非常好的收藏者，从不依附于某一个画廊或某一个批评家。她认识一位艺术家，从没见过他与某一策展人喝酒联系感情，他整天交往的最好的朋友几乎都是贫穷或默默无闻的，“我觉得他好象在过大学男生的生活，但事实上他是非常成功的艺术家，他说，你的眼里没有江湖，江湖就不会伤害你。”鞠白玉表示，她平时见到画廊老板，会装作不认识。“我见过很多艺术家在江湖上的那种尴尬。你在意它的时候，它就会伤害你。你不在意的时候，它什么都不是。”何桂彦一针见血地指出：“以为有个圈子就牛了吗?我觉得恰恰相反。艺术家的独立性，个体的创作及其保持创作的纯粹性，反而会促进他日后走得更远。真正拉开一段时间，经过历史的沉淀，艺术家最终留下的还是作品，谁还会在意你当时的圈子呢?”“在圈子化的环境中，最大程度地保持独立性吧，区分出你的职业和个人生活。”鞠白玉呼吁，“如果你尊重自己的职业，你就应当尊重自己的独立性。中国是一个人情面子的社会，但你知道该如何面对这些，知道该怎样避开。”艺术批评应树立操守与规范如何判断一个艺术家是否成功?是看艺术杂志上关于他的版面多少吗?现在看到的艺术杂志都是真正纯粹的艺术杂志吗?鞠白玉认为，现在国内对艺术家的评论，往往不是基于纯粹的艺术标准。赵赵也认为，除了艺术因素外，技术因素同样会干扰艺术家作品的影响力，比如评论家的操作。何桂彦介绍西方批评家时说，真正的批评家和艺术史研究者的工作，如哈佛在上世纪50年代就有个规定：学艺术史的研究生或博士在做毕业论文时，艺术家一定不能是健在的。这种极端的手段，是为了断绝直接的利益关系，保持研究的相对纯粹。而七八十年代以福柯为代表的哲学家在写理论文章时，甚至根本可以不与艺术家交流。因为批评和文本自有其规范，有学科化的体系。“一个批评家在工作时，一方面要考虑艺术家的创作背景和初衷，另一方面要考虑与艺术家本人的分歧，并正常面对分歧。对作品进行评价时，不该率性而为，而须有一个艺术史的框架，根据参照系的上下文进行批评。同时，在艺术史的框架中给艺术家一个可能性的定位。”他说。赵赵作为一位艺术家，确实经常遭遇与批评家的分歧，这种分歧常常会令他感到难以接受。所以他也认为，批评家在工作时，要么就完全不要与艺术家交流，要么就得进行很深层次的交流。艺术家最终是要靠作品立足历史的，批评家同样如此。“现在批评家有很多混圈子的，似乎混得很好，但是五年十年以后谁会记住他呢?批评家到最后还是看你的文本，看你到底对这个时代作出了什么贡献。”何桂彦说。论坛中，几位与嘉宾与主持人还对不同地域文化环境中艺术家的生活和创作特征大感兴趣，而这方面因素及其所形成的圈子，似乎已经主要是产生着正面影响了。

第四个方案是：三个和尚分别给一个水桶，每次三个人一起去打水。在取水的过程中，增加了三个和尚的交流与合作。虽然表面上他们各行其是，其实都是为了同一个大目标而努力。